ELLOS -TAMBIÉN- CREAN

El día de la madre entrevistamos a tres mujeres creadoras. Hoy, coincidiendo con el día del padre, quiero repetir el experimento con tres hombres (RICARDO CAVOLO, ilustrador, DAVID CASTRO, creador audiovisual, y MIGUEL BECER, diseñador de moda) que, aunque no son padres, también dan vida. Os dejo con ellos:

RICARDO CAVOLO nació en Salamanca hace 32 años, exactamente los mismos que lleva con un pincel en la mano. Trabajador infatigable, hombre discreto, talentoso y amante de las cosas bien hechas, ha puesto su sello en firmas de tanta envergadura como NIKE, el BARCELONA CLUB DE FUTBOL o CIRQUE DU SOLEIL y ha colaborado en proyectos como el primer libro de SANTI BALMES (Love of Lesbian) titulado "¿Por qué me comprasteis un walkie-talkie si era hijo único", o el libro de recetas "Cocina Indie". Hace poco más de un año desembarcó en Londres, donde actualmente reside y donde (me temo que eso le sucederá allá donde vaya) no para de trabajar.  

1) Ricardo, ¿qué le llevó al adolescente que fuiste a mirarse al espejo un día y a decir, papá, mamá, quiero dedicarme a pintar? ¿Hubo un momento de “revelación”, de epifanía, o la decisión fue el resultado de recorrer un camino más largo?

Nada de epifanías. Esto es menos romántico. Yo nací en el estudio de pintura de mi padre, y si todo lo que te rodea son pinceles, colores, lienzos, papeles… Y ves a tus padres que están todo el día con la cabeza gacha manchando un papel o un lienzo, pues a ti te apetece hacer lo mismo. Dibujar se convirtió rápidamente en mi mejor manera de pasar el tiempo. Y nunca tuve un momento de decidir qué hacer con mi vida. De manera natural tenía ya interiormente las ideas clarísimas.

2) En tus ilustraciones encontramos casi siempre tejida una historia, como si además de lo puramente visual, tu obra contuviera también una llamada al cuento, a la fábula. ¿Tiene eso algo que ver con tu proceso creativo? Justo antes de coger el lápiz, ¿lo que empieza a asomar en tu cabeza es una imagen o una historia?

Sí. Siempre, siempre, siempre, antes de ponerme a dibujar tengo que tejer la historia o narración que quiero que la gente lea de mi dibujo. Podría hacer ilustraciones simplemente estéticas, pero yo necesito que haya un trasfondo, que se pudiese desarrollar una novela con la premisa que creo en la ilustración. Cuando el dibujo tiene un punto de literatura se disfruta más, y la experiencia con él es más profunda.

3) Sé que has mostrado públicamente tu interés por lo outsider, por aquello que se crea (y se disfruta) fuera del circuito y de sus imposiciones y normas. En esta línea, me sorprendió descubrir hace no muchos días, en una exposición del Matadero (La Ciudad de los Papiros) que ya los romanos hacían graffiti y que las paredes de las construcciones de la antigua y esplendorosa Roma estaban llenas de inscripciones y dibujos de artistas anónimos… ¿Qué te atrae de las manifestaciones artísticas espontáneas?

Me gusta sobre todo la pureza con la que trabajan. Alguien que se gana la vida pintando o dibujando termina estando contaminado con la necesidades del marketing. Luego está en manos de cada uno cuánto se deja contaminar. Pero alguien que pinta por puro placer, o por necesidad vital, sin más pretensiones que sacar fuera lo que llevan dentro o disfrutar una tarde entera, esa persona trabaja con una libertad increíble. Y eso se nota al final. Si trabajas con total libertad, sin vergüenza y con cero lastres, obtienes arte puro. Y esto incendia ciudades enteras. Con un cuadro pintado para una venta, no incendias a veces ni la pared donde se cuelga.

4) Llama la atención en tu obra la forma tan original en que eres capaz de representar, bajo una apariencia amable y colorida y a través de un trazo que a primera vista puede parecer casi naïf, una temática oscura y adulta en la que no faltan fantasmas, miedos, obsesiones y personajes totalmente underground. Este rasgo que, además, se ha convertido de alguna manera en tu seña de identidad, ¿fue premeditado o surgió sobre la marcha?

Pues surgió de manera natural. Yo en un principio pretendía dedicarme a la ilustración infantil. Y por tanto empecé a desarrollar un estilo más sencillo, que es con el que se suele llegar al público infantil. Si a ese estilo le mezclas las comeduras de tarro y vivencias de un adulto, pues obtienes lo que ves en mi trabajo. La verdad es que me siento muy muy cómodo habiendo conseguido casar esos dos aspectos en una manera de dibujar. Puedo contar los rincones complicados del ser humano adulto pero con un lenguaje vivo y directo como el de las ilustraciones infantiles.

5) Internet y su entramado infinito de webs, redes sociales y plataformas de contenidos, hablan, principalmente, el lenguaje de la imagen. ¿Crees que esta importancia creciente de los contenidos gráficos -y de su valor artístico, social y económico- está dando alas a los creadores gráficos/plásticos, o por el contrario, tienes la sensación de que vuestro sector está atravesando la misma crisis que el resto de disciplinas artísticas?

Es verdad que hoy en día lo que prima es la imagen. Nos hemos hecho vagos para leer y asumimos mucho mejor la imagen, ya sea fija o en movimiento. Y esto ayuda a que los que nos dedicamos a la imagen a que tengamos algo más de cancha. Por otro lado el mundo del arte no vive su momento más boyante, y con la situación económica es como de locos que la gente se quiera gastar dinero en esto. Pero al mismo tiempo la ilustración se ha ido situando en una posición más digna y reconocida en nuestra país en los últimos años. Seguimos con un atraso importante respecto a otros países, pero hay que empezar por algún lado.

6) Has trabajado para agencias de publicidad, como ilustrador de libros, carteles, artes de CDs, pintas murales, lienzos, camisetas, ideas tatuajes… ¿en qué medio te sientes más libre? ¿cuál es tu forma natural de expresión?

Bueno, quizás trabajar en papel es “estar en casa”. Es donde más he dibujado a lo largo de mi vida. Pero necesito ir alternando formatos y superficies para estar en constante movimiento. No me gusta estancarme en una manera de trabajar porque creo que eso te hace hibernar. Mayor libertad me da el papel, porque es lo que más conozco, pero por ejemplo el mural es un tipo de trabajo que estoy disfrutando muchísimo y no me canso de algo así. Es un proceso de trabajo mucho más invasivo, y puedo casi estar dentro de mi propia obra, y eso es muy divertido.

7) Tus próximos proyectos y el proyecto de tus sueños.

Mis próximos proyectos… Ahora acabo de publicar un libro, cerrar una expo en Londres terminar una gira por trabajo bastante larga, así que lo siguiente es atender a todos los encargos de particulares que he ido acumulando los últimos meses y que no pude trabajar porque estaba desarrollando los otros proyectos. También tengo en mente empezar una pequeña línea de ropa, pero para eso necesito más tiempo del que tengo ahora mismo.

El proyecto de mis sueños, en el plano profesional, creo que es seguir dedicándome a esto el resto de mi vida. Si consigo esto, podré desarrollar todos esos proyectos soñados que tengo en la cabeza. Será sólo cuestión de tiempo.

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DAVID CASTRO es un burgalés afincado en Madrid, donde compagina su trabajo como profesor en el INSTITUTO DEL CINE con sus múltiples proyectos personales, entre los cuales destacan la dirección de varios cortometrajes (gracias a algunos de los cuales como "BERTA Y LUIS" o "A2042", acumula varios premios), su colaboración en proyectos de animación (UKA) y en algunas propuestas inclasificables como LAG. Nos confiesa también, que está metido en la escritura de su primer largometraje.   

1) ¿Cómo nace tu pasión por el audiovisual? ¿Por qué te sentiste atraído por esta forma de contar historias?

Creo que desde siempre. De niño grababa cuentos para mis amigos con un magnetófono portátil y probaba a hacer stop-motion con diapositivas. Luego se fue materializando con textos literarios, cómics, fotos y alguna animación en el ordenador. Creo que la necesidad de unir todas esas técnicas desembocó en que finalmente una cámara de vídeo digital cayera en mis manos.  

2) Con tu último corto, A2042 te apartas de la temática amable, del humor y del colorido -que suelen ser tu "marca de la casa" y te adentras en un género al que no nos tenías acostumbrados. No voy a develar nada de A2042, pero sí puedo decir que es un corto en el que, sin una sola palabra y con un único plano, se logra hacer reflexionar al espectador acerca de la mirada tan maniqueísta y tan impregnada de prejuicios con la que, en muchas ocasiones, observamos las cosas. ¿Qué te lleva a indagar en este terreno, a llevar tus creaciones un poco más allá del entretenimiento? ¿Diversificar los géneros ayuda a reinventarse y a no "dormirse en los laureles"?  

Cuando dormimos, nuestros sueños se nutren de las experiencias que hemos vivido a lo largo del día, allí se manifiestan nuestros sueños, también nuestras fobias, pulsiones y reflexiones. Creo que algo parecido a este proceso es el que desarrollo cuando tengo una idea; es una forma de compartir ese mecanismo de construcción de realidades con las personas que ven mis historias. Es entrar en mi cabeza mientras duermo, es compartir ese momento de intimidad. El género no lo elijo yo, lo genera lo que me rodea e impregna mi bagaje experiencial. En el caso de A2042 hay un objetivo concreto, y se trata de que quien lo vea se plantee y cuestione lo que está viendo, al igual que creo que todos deberíamos hacer al ver la realidad, más aún cuando esa realidad pasa por el filtro  de una mirada distinta a la nuestra.  

3) QA2042 te ha valido también, por cierto, la obtención de varios premios (1er premio Festival "Almería en Corto", premio "Best Film Of Festival" en el Therimaikos International 2 min. Film Festival (Grecia), etc. ¿Cómo se digiere un premio? ¿Son estas "condecoraciones" el alimento del creador de cortos (que, normalmente, no tiene muchas vías para obtener un retorno al esfuerzo realizado? 

Yo entiendo los premios como una confirmación de que hay algo que se está haciendo bien. Al igual que una enhorabuena o un aplauso, un premio sirve como reconocimiento a todo ese trabajo que hay detrás de lo que se ve, y que implica a mucha más gente además de mi, al equipo entero que participa de esa historia conmigo. La dotación económica que llevan consigo algunos premios, para mí supone, como productor de mis creaciones, que voy a poder pagar parte del salario que corresponde a ese equipo, y también el mío propio. Una vez se recupera la inversión inicial, y después de haber terminado el ciclo de festivales, hago un reparto basándome en las tablas salariales del Ministerio de Cultura y extrayendo del total obtenido, el porcentaje correspondiente a cada uno por su trabajo. El trabajo se debe cobrar, y la obra cinematográfica no está elaborada por una sola persona, se hace con el trabajo de muchos profesionales que deben ser remunerados.

4) ¡Háblanos de LAG! ¿Qué buscáis con este proyecto? ¿Experimentar? ¿Sorprender? Quizá, al ser vídeos altamente virales, ¿daros a conocer entre un público más amplio?  

LAG tiene dos objetivos primordiales: el primero es divertirnos creando humor entre los tres componentes del proyecto, ya sea dirigiendo y escribiendo de forma independiente, o haciéndolo de forma conjunta. El segundo objetivo es la razón por la que estamos subiéndolos a Youtube: se trata de dar a conocer nuestro trabajo como equipo de creación de contenidos de humor, es un escaparate que, además, nos proporciona un feedback directo con el público y la posibilidad de contactar y colaborar con otros creadores que también tienen presencia en Internet. 

Si tenéis curiosidad por ver de qué va LAG, ¡dadle al Play!: 

5) ¿Crees que la crisis del sector cultural generada, entre otras cosas, por el cambio de modelo al que ha obligado la irrupción de Internet y las nuevas tecnologías (y acelerada, quizá, por los malos horizontes económicos y la subida del IVA cultural) está restando libertad a los creadores audiovisuales? ¿Cómo puede un director financiar un proyecto "alternativo" sin atarse a un productor o a una gran firma que le diga cómo tiene que hacer las cosas? ¿Crees que, cada vez más, un artista audiovisual tendrá que desempeñar algún otro trabajo -profesor, trabajador por cuenta ajena en TV o en producciones de otros- para poder financiar sus propios proyectos con independencia?

Hace muchos años, cuando aún el término crisis no se usaba de forma tan indiscriminada (ni como escusa, ni como arma arrojadiza) escuché en una charla sobre teatro que la crisis en la cultura existe desde el carro de Thespis. No es nada nuevo que la creación artística vaya unida a la falta de liquidez económica. Creo que el creador de verdad va a ser un creador libre, aunque tenga que hacerlo con un papel que ha encontrado en el suelo, bailando en la calle o haciendo música con una lata de tomate. 

Sobre la financiación de proyectos independientes, cualquier director alternativo va a querer que algún productor o gran firma le ate y diga cómo tiene que hacer las cosas, si a cambio le va a pagar un dinero, porque, si es un creador puro,  ya se preocupará él de dar forma a sus ideas y creaciones propias en el tiempo que le quede. En mi opinión, el origen del problema no es la crisis, la economía, ni la subida del IVA a la cultura (que no a la cultura de lujo), eso sólo son frenos que se van poniendo al avance de la cultura. El verdadero problema es que en este país no existe una industria cinematográfica, ni se quiere que exista. Sin una convicción de que el arte es un bien de consumo y que, al igual que el turismo, el arte genera riqueza, seguiremos siendo un país de sol y playa. No somos directores independientes porque queramos serlo, en estos momentos no es una elección.     

6) Trabajas como profesor en el Instituto de Cine de Madrid, ¿qué te aporta la docencia? 

Me aporta energía, energía que recibo retroalimentada desde mis alumnos. Me siento afortunado por poder impartir clases y transmitir la pasión que tengo por esta profesión, y también al ver que mis alumnos son personas realmente motivadas, que aman el cine, que es algo muy difícil de encontrar en otro ámbito pedagógico. 

7) Proyectos futuros y el proyecto de tus sueños.

Preparo corto para este verano, un drama de ciencia ficción. También tengo en preparación un corto documental, otro par de cortometrajes cómicos y además estoy inmerso en la escritura de lo que será mi primer largometraje. Y con suerte, este año también podría salir a la luz una obra de teatro muy vinculada con el audiovisual. ¡Todo esto si logro arreglar mi máquina de multiplicar el tiempo!

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MIGUEL BECER es un diseñador cacereño que, pese a no haber cumplido aún los 30, ha trabajado para firmas tan reconocidas como AMAYA ARZUAGA -que fue su puerta de entrada al mundo de la moda-, ÁNGEL SHLESSER, o BIMBA Y LOLA, para la que actualmente presta sus servicios. MIGUEL compagina su trabajo en Bimba y Lola con su proyecto personal, la firma MANÉ-MANÉ, que él mismo dirige y con la que esta temporada 2013-2014 se ha estrenado en la Pasarela Cibeles (actualmente Madrid Fashion Week Mercedes Benz).   

 

1) Si las bellas artes fueran dioses de la mitología clásica, la moda sería algo así como un semi-dios: el fruto del amor entre un arte y una técnica inventada para satisfacer una necesidad que es el vestir, el cubrirse el cuerpo para protegerlo de las inclemencias del tiempo y de los ojos ajenos.  ¿Dónde sitúas tú la moda?

Es cierto que el diseño de moda tiene un componente artístico muy importante -de hecho, como concepto, la moda es, entre otras cosas, una expresión artística-, pero en lo que a mí respecta y pese a dedicarme a ella, no la considero un arte. Al final, despojándola de lo romántico, la moda es una industria que se dedica a vender ropa. 

2) En un mundo donde lo visual adquiere cada vez más protagonismo, donde tomamos decisiones a golpe de click basándonos en la primera impresión que nos ofrece una marca, un logotipo, un diseño o una interfaz, ¿es una imagen personal cuidada, un look acertado, un arma cada vez más poderosa?

La imagen que reflejas de tí mismo a través de tu indumentaria es muy importante. Indudablemente, el look que eliges cada día está cargado de información para los demás, pero no necesariamente la imagen que crees que proyectas tiene por qué coincidir con la imagen que realmente estás dando. La percepción que tenemos de nosotros mismos es puramente subjetiva y, es curioso, pero muchas veces no se corresponde con la manera en que nos ven los demás. Hay ciertos códigos estandarizados pero aún así, la estética se determina desde el punto de vista de que está mirando.  

3) Creo que la maquinaria de la moda cumple una función para el mundo desarrollado, que es la de distraer de las preocupaciones cotidianas, de los problemas, del aburrimiento. Igual que los ritos, las fiestas y las tradiciones servían para aliviar y distraer a las poblaciones rurales del siglo pasado de la dureza de su vida, en nuestra sociedad, la moda (seguirla, comentarla, estar al día, vestirla) tiene, creo, esa misma lectura psicológica. En este sentido, ¿crees que la moda genera o puede generar una especie de "efecto Prozac"?

Como comentábamos antes, la moda tiene un alto componente artístico, y con base en eso, las grandes marcas desarrollan todo un mundo de ilusión y fantasía con el que el cliente se identifica. La belleza, el espectáculo, la música, los desfiles, son un divertimento para el público, y en este sentido sí, puede tener un cierto efecto "Prozac".

Por otro lado, estamos en un momento en el que la moda se democratiza: está en las revistas, en las tiendas, en la televisión... La información de moda llega a todo el público. La gente sigue la moda como se sigue a un cantante, o las últimas novedades del cine. La moda es divertida y el público se ha dado cuenta de ello.

                                         

4) Las lineas de MANÉ-MANÉ son pulcras y puras, huyendo de la estridencia y de la feminidad más obvia. ¿Cuál es el modelo de mujer al que quieres vestir, en el que te inspiras para crear tus colecciones? ¿Hay un desarrollo psicológico (en el sentido de buscar que quien lleve tus prendas exprese algo a través de ellas) o tratas simplemente de conseguir un resultado armonioso y bello? 

Es complicado centrar toda tu creación únicamente en una mujer, en un único modelo de mujer, pero sí intento mantener algunos códigos más o menos uniformes en cada colección. Estos códigos tratan de dar forma y de definir a una mujer que me interesa mucho y a la que admiro. Y en este sentido sí hay algo de psicológico... Busco una mujer que no utiliza su imagen como arma de seducción hacia los demás, sino que busca sentirse confortable y segura. Además me gusta imaginar una mujer que arriesga y busca algo fuera de los cánones establecidos. Aún así, como bien dices, en el trabajo de crear una colección influyen muchos factores, entre ellos la búsqueda de la belleza y la armonía, de las que no podemos olvidarnos. Puede decirse que es una coctelera donde se mezclan muchos ingredientes. 

http://manemane.es/

5) El modelo de negocio actual de buena parte de la industria textil se basa en aumentar los beneficios de la empresa (y, al mismo tiempo, hacer más accesible el producto para el consumidor) fabricando a bajo coste en países como la India, China o Pakistán, donde las condiciones de las personas que participan en los eslabones más frágiles de la cadena de producción son muy precarias. ¿Crees que el seno de la industria textil hay una preocupación ética, una conciencia creciente de que es necesario evolucionar hacia un modelo de producción más “responsable”?

Hay que diferenciar entre dos industrias, que podríamos denominar la de la moda, y la de la venta de ropa. Refiriéndonos a la primera, es totalmente cierto que vivimos un momento en el que muchas grandes empresas se dedican a vender ropa a bajos precios y que dicha fabricación se localiza en países como China o Marruecos, donde los costes son mucho menores que en Europa. Pero lo que conceptualmente denominamos moda, que también tiene por objeto vender ropa, pero cuyos contornos se acercan más al ámbito de lo artístico, de la creación, se encuentra en otro plano diferente de lo que es la pura industria textil. Las más importantes casas de moda fabrican en Europa, como en sus comienzos, e incluso han de cumplir una serie de condiciones y requisitos en este proceso para que lo que hacen se considere moda y no mera "venta de ropa".  

                                

6) Cuando caminas por tu Cáceres natal, cuando sales del trabajo en Madrid o cuando viajas, ¿desconectas del todo de tu trabajo o no puedes evitar esa “deformación profesional” de mirar con ojos de diseñador los looks y la forma en la que se visten quienes están a tu alrededor?

Me es inevitable mirar con "ojos de diseñador" a la gente que está a mi alrededor, pero a eso siempre le doy una importancia secundaria. Para empezar, porque un factor muy importante en moda es la información, y es normal que no todo el mundo sea conocedor de lo último que está pasando en las pasarelas. Desde luego, valoro más a las personas por lo que piensan que por lo que visten. 

7) Proyectos presentes y el proyecto de tus sueños.

Mi proyecto presente y el de mis sueños coinciden, y no son otra cosa que continuar con mi trabajo en moda. Seguir creciendo como diseñador y como empresa, para que cada vez más gente pueda disfrutar de mis prendas. 

                                              

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Y no podría terminar sin citar a otro padre -el mío-, que lleva desde hace más de 20 años dando vida y aliento a la Editorial DoSSoles, un lugar donde se cumplen sueños: el sueño de lograr que una parte de tí quede para siempre a salvo del olvido, escondida entre las lineas de unas cuantas hojas de papel.